Livro - Danças e atividades rítimicas - graduação (1) (2)

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Disciplina: Dança e atividades rítmicas 
Autor: M.e Éder Fernando do Nascimento 
Revisão de Conteúdos: Esp. Guilherme Natan Paiano dos Santos 
Designer Instrucional: Sérgio Antonio Zanvettor Júnior 
Revisão Ortográfica: Esp. Juliano de Paula Neitzki 
Ano: 2019 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Copyright © - É expressamente proibida a reprodução do conteúdo deste material integral ou de suas 
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Éder Fernando do Nascimento 
 
 
 
 
 
Dança e atividades rítmicas 
1ª Edição 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
2019 
Curitiba, PR 
Editora São Braz 
 
 
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Editora São Braz 
Rua Cláudio Chatagnier, 112 
Curitiba – Paraná – 82520-590 
Fone: (41) 3123-9000 
 
 
Coordenador Técnico Editorial 
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Jefferson Zeferino / D.r João Paulo de Souza da Silva / D.ra Marli Pereira de 
Barros Dias / D.ra Rosi Terezinha Ferrarini Gevaerd / D.ra Wilma de Lara 
Bueno / D.ra Yara Rodrigues de La Iglesia 
 
Revisão de Conteúdos 
Guilherme Natan Paiano dos Santos 
 
Designer Instrucional 
Sérgio Antonio Zanvettor Júnior 
 
Revisão Ortográfica 
Juliano de Paula Neitzki 
 
Desenvolvimento Iconográfico 
Juliana Emy Akiyoshi Eleutério 
 
 
 
FICHA CATALOGRÁFICA 
 
NASCIMENTO, Éder Fernando do. 
Dança e atividades rítmicas / Éder Fernando do Nascimento. – Curitiba: Editora 
São Braz, 2019. 
58 p. 
ISBN: 978-85-5475-473-0 
1. Arte e Educação. 2. Dança Folclórica. 3. Dança Teatral. 
Material didático da disciplina de Dança e atividades rítmicas – Faculdade São 
Braz (FSB), 2019. 
Natália Figueiredo Martins – CRB 9/1870 
 
 
 
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PALAVRA DA INSTITUIÇÃO 
 
Caro(a) aluno(a), 
Seja bem-vindo(a) à Faculdade São Braz! 
 
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comunidade de estar sempre sintonizada no objetivo de participar do 
desenvolvimento do País e de formar não somente bons profissionais, mas 
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comprometida com a qualidade do conteúdo oferecido, assim como com as 
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de dúvidas via telefone, atendimento via internet, emprego de redes sociais e 
grupos de estudos, o que proporciona excelente integração entre professores e 
estudantes. 
 
 
 Bons estudos e conte sempre conosco! 
 Faculdade São Braz 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Sumário 
Prefácio........................................................................................................... 07 
Aula 1 – Atividades rítmicas ........................................................................... 08 
Apresentação da Aula 1 ................................................................................. 08 
 1.1 - O ritmo ............................................................................................. 08 
 1.2 - Exercícios rítmicos .......................................................................... 11 
 1.3 - Coreografias e o ritmo musical ........................................................ 13 
 1.4 - Ritmos e possibilidades de movimentos .......................................... 14 
Conclusão da aula 1 ....................................................................................... 18 
Aula 2 – Possibilidades de movimentação ...................................................... 19 
Apresentação da aula 2 .................................................................................. 19 
 2.1 - Movimento e comportamento motor ................................................ 19 
 2.2 - O que é possível mover? ................................................................. 20 
 2.3 - Espaço e possibilidades de movimento ........................................... 21 
 2.4 - Qualidades do movimento ............................................................... 25 
 2.5 - Estilos de dança .............................................................................. 26 
Conclusão da aula 2 ....................................................................................... 31 
Aula 3 – História da dança ............................................................................. 31 
Apresentação da aula 3 .................................................................................. 31 
 3.1 - A dança na Antiguidade ................................................................... 32 
 3.2 - A dança durante a Idade Média ....................................................... 34 
 3.3 - A dança a partir do Renascimento ................................................... 36 
 3.4 - A importância do rei Luís XIV para a dança ...................................... 38 
 3.5 - A dança e o Romantismo ................................................................. 40 
 3.6 - O ballet russo ................................................................................... 40 
 3.7 - A Dança moderna ............................................................................ 42 
 3.8 - A dança pós-moderna ..................................................................... 43 
 3.9 - A dança no Brasil ............................................................................. 44 
 3.10 - Dança folclórica ............................................................................ 45 
Conclusão da aula 3 ....................................................................................... 46 
Aula 4 – Dança na Educação Básica e para populações especiais ................ 47 
Apresentação da aula 4 .................................................................................. 47 
 4.1 - Breve abordagem histórica da dança na educação ......................... 47 
 4.2 - Base Nacional Comum Curricular – BNCC ...................................... 49 
 4.3 - Propostas de dança na Educação Básica ....................................... 51 
 
 
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 4.4 - Dança e populações especiais ........................................................ 52 
Conclusão da aula 4 ....................................................................................... 55 
Índice Remissivo ............................................................................................ 56 
Referências .................................................................................................... 58 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Prefácio 
 
Caro aluno (a), este material é um guia para que você entenda alguns 
aspectos importantes da dança e outras atividades rítmicas, que envolvem ritmo, 
música, abordagens metodológicas, historicidade, possibilidades de 
movimentos, estilos e técnicas, por exemplo. 
Para maior aproveitamento, é importante que você leia com atenção os 
conteúdos abordados, anotando eventuais dúvidas e curiosidades que surgirem 
no processo. 
Sendo um guia, este material aborda vários conhecimentos importantes 
relacionados às atividades rítmicas e à dança, e é interessante que, se sentir 
necessidade de mais aprofundamento em algumas áreas, você tenha autonomia 
para pesquisar sobre. 
Assim, espero contribuir significativamentepara seu processo de 
formação enquanto futuro professor. 
Bom estudo! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Aula 1 – Atividades rítmicas 
 
Apresentação da aula 1 
 
Olá! Seja bem-vindo (a) à primeira aula da disciplina Dança e atividades 
rítmicas. Nela será abordado o que é ritmo e qual sua importância, assim como 
sua classificação, valores e composição, tratando também de exercícios 
rítmicos, coreografias e alguns ritmos e suas possibilidades de movimentos. 
Ao trabalhar com dança e outras atividades rítmicas, é importante estudar 
o que é o ritmo e suas propriedades, a fim de dar embasamento para você, futuro 
professor, elaborar e refletir sobre suas atividades e seu papel de docente em 
diversos ambientes e situações. 
 
1.1 O ritmo 
 
Com certeza você já ouviu esta palavra algumas vezes durante sua vida, 
como, por exemplo, alguém se referindo ao ritmo de uma caminhada, de 
respiração, de batimentos cardíacos, ao ritmo da vida diária, e até mesmo em 
relação aos estudos, além disso, quantas vezes você escutou uma música, e 
quando percebeu já estava mexendo uma parte do corpo para acompanhar o 
ritmo dela? 
É possível perceber que o ritmo não é apenas um elemento da música, 
mas, sim, da vida. Na natureza, por exemplo, encontramos o ritmo do mar, do 
vento, das estações, do crescimento das plantas, entre outros. Também se pode 
falar dos ritmos funcional biológico e de aprendizagem, que inclui os aspectos 
fisiológicos e de desenvolvimento motor e cognitivo do indivíduo. Mas, afinal, 
como podemos definir o que é ritmo? 
Ao longo de anos, muitos autores trouxeram definições para esta palavra. 
Como dizia Platão, filósofo e matemático da Grécia Antiga, “o ritmo é movimento 
ordenado”. Para Dalcroze, pedagogo e compositor nascido no século XIX, “o 
ritmo é um princípio vital e é movimento”. Já para Lapierre, educador francês do 
século XX, seria “uma estrutura que se repete ciclicamente”. Frente a tantas 
definições, que incluem as de outros autores não citados aqui, pode-se dizer que 
 
 
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o ritmo (Rhytmos, em grego) é a relação harmoniosa e regular entre elementos, 
a qual gera um movimento ordenado. 
 
Vocabulário 
Rhytmos: de origem grega, significa aquilo que flui, que se move, com 
movimento regulado. 
 
Sabendo que o ritmo é algo inerente à vida, a importância da educação 
do ritmo se encontra na capacidade de formação física básica, educando o 
indivíduo quanto à economia do movimento. Também estimula a criatividade e 
permite a descoberta das possibilidades de movimentação do próprio corpo, 
assim como de seu próprio ritmo (ritmo individual), aperfeiçoando os aspectos 
motores e instigando o trabalho coletivo dos sujeitos (ritmo coletivo ou grupal). 
Na música, o ritmo é um de seus três elementos básicos, junto com a 
melodia e a harmonia. Ele é dado pela relação de alternância regular dos tempos 
fortes e fracos que a compõem, os quais se repetem sempre com o mesmo 
espaço de tempo entre eles, formando assim o compasso musical, ou seja, o 
ritmo musical é composto por som e pelo silêncio, que combinados formam 
padrões rítmicos sonoros. 
O compasso é representado por dois travessões, e correspem que ao 
espaço entre eles. A música é dividida em sequências de 2, 3 ou 4 tempos, 
sempre em partes iguais, denominando assim se o compasso é binário 
(representado por 2/4), ternário (representado por 3/4) ou quaternário 
(representado por 4/4). No compasso binário, a sequência que se repete é a de 
um tempo forte e um tempo fraco. No compasso ternário, a sequência é de um 
tempo forte e dois tempos fracos. E o quaternário é a sequência de um tempo 
forte, um fraco, um tempo meio forte e um fraco. 
 
 
Representação do compasso 
Fonte: http://conservatorio0.tripod.com/compasso_.htm 
 
 
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Compasso binário 
Fonte: http://conservatorio0.tripod.com/compasso_.htm 
 
 
Compasso ternário 
Fonte: http://conservatorio0.tripod.com/compasso_.htm 
 
 
Compasso quaternário 
Fonte: http://conservatorio0.tripod.com/compasso_.htm 
 
Ao contar em voz alta um compasso binário, conta-se “um, dois”, sendo o 
“um” o tempo forte e “dois” o tempo fraco. No caso do compasso ternário, ficaria 
“um, dois, três”, sendo o “um” o tempo forte e “dois” e “três” os tempos fracos. Já 
no compasso quaternário, conta-se “um, dois, três, quatro”, sendo o “um” o 
tempo forte, o “três” o tempo meio forte, e “dois” e “quatro” os tempos fracos. 
Para melhor ilustrar, o compasso binário seria o de uma marcha, o ternário é o 
da valsa, e o quaternário o da batida de rock. 
Ao ilustrar um compasso, nota-se que, além dos travessões, é usada uma 
figura rítmica positiva. Essas figuras do ritmo, também denominadas valores 
rítmicos ou valores positivos, são utilizadas para escrever o ritmo musical, tendo 
cada figura o seu valor. As figuras positivas registram o som por meio de notas 
musicais, e as figuras negativas registram o silêncio por meio de pausas. 
Os nomes dessas figuras rítmicas são: semibreve, mínima, semínima, 
colcheia, semicolcheia, fusa e semifusa. A duração da semibreve é dada pelo 
compositor de determinada música, sendo as outras figuras suas frações. Assim, 
 
 
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o valor de cada figura rítmica é dado pela metade da anterior e pelo dobro da 
seguinte. 
 
 
Figuras rítmicas 
Fonte: https://musica.culturamix.com/blog/wp-content/gallery/valor-das-notas-musicais-
exercicios-5/Valor-das-Notas-Musicais-Exerc%C3%ADcios-11.jpg 
 
1.2 Exercícios rítmicos 
 
A importância da educação do ritmo, tratada anteriormente, é algo com 
que o professor e compositor Émile Jacques Dalcroze (1865-1950), que viveu 
em Genebra, na Suíça, se preocupou após notar certa dificuldade em seus 
alunos quanto ao ritmo, o que o estimulou a desenvolver um sistema de ensino. 
Dalcroze observou a importância do corpo como instrumento para 
assimilação da música, passando a criar um método de educação chamado 
“Rítmica”, o qual foi baseado no ritmo musical. Assim, seus alunos passaram a 
vivenciar o ritmo de forma sensorial por meio do corpo, por um método que 
trabalhava movimentos corporais junto com a coordenação musical do indivíduo, 
o qual se denomina “Eurritmia”. 
Esse professor tinha como objetivos não apenas o desenvolvimento da 
consciência rítmica de seus alunos, mas também a capacidade de 
desenvolvimento da percepção e expressão de cada um, assim como sua 
integração social. 
A primeira escola do método de Dalcroze foi aberta em Londres (1913), e 
posteriormente vieram outras em lugares da Europa e EUA. Em 1914, foi 
 
 
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inaugurado o Institut Jacques Dalcroze, em Genebra, o qual foi dirigido pelo 
próprio Dalcroze até sua morte, deixando discípulos para a continuação de seu 
trabalho. 
Influenciado pelo sistema de ensino de Dalcroze, o compositor alemão 
Carl Orff (1895-1982) também passou a utilizar o trabalho corporal em sua 
abordagem, acreditando na necessidade de proporcionar experiências musicais 
aos indivíduos antes destes estudarem os conceitos teóricos. Sua proposta 
educacional prioriza experiências simples que incluem fala, movimento e ritmo, 
utilizando também alguns instrumentos de percussão, como tambor, sinos, 
xilofones, entre outros. 
 
 
Exemplos de instrumentos de percussão 
Fonte: elaborado pelo autor (2017). 
 
Após o estudo desses dois métodos de ensino, tem-se a noção de como 
os exercícios rítmicos podem ser trabalhados, partindo de experiências simples, 
como andar no ritmo da música, reproduzindo as variações de dinâmica musical, 
e deixando esses exercícios cada vez mais complexos. Por exemplo, pode-se 
passar a vivenciar as variações musicais por meio de movimentos improvisados, 
ou marcar o compasso musical com as mãos, ao mesmo tempo em que os pés 
fazem outros movimentos. Também pode-se utilizar a voz durante os exercícios, 
por meio de contagem da música ou de cantos, utilizando proposição de 
exercíciosrítmicos em grupo que também estimulem a capacidade de criação 
dos indivíduos, gestos corporais que podem ser executados posteriormente em 
 
 
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instrumentos, ou até mesmo junto com instrumentos musicais, entre outras 
atividades que também dependem da capacidade criadora do professor. 
 
1.3 Coreografias e o ritmo musical 
 
Ao ver pessoas se movimentando com uma música, seja na dança ou em 
atividades rítmicas como jump ou step, por exemplo, é possível ter a sensação 
de que os movimentos encaixam ou não na música. Ao frequentar essas aulas, 
também se nota que o professor conta os tempos da música de um até oito. Isso 
tudo porque a música tem frases musicais e compassos, como visto 
anteriormente. 
Portanto, ao pensar na criação de uma coreografia que será 
acompanhada de música, é importante fazer um mapeamento musical do que 
se pretende utilizar, ou seja, entender se é utilizado compasso musical 2/4, ¾ ou 
4/4, de quantos compassos a música é composta, quanto tempo dura as partes 
instrumentais e as partes vocais e em qual ordem, identificar o refrão da música, 
entre outros elementos que o professor achar importante. 
Geralmente se utilizam músicas com compassos binários ou quaternários, 
por isso a contagem até oito durante as aulas. Ao fazer o mapeamento da 
música, é interessante identificar qual compasso é utilizado e fazer uma 
anotação a cada oito tempos, que equivale a dois compassos quaternários ou 
quatro compassos binários. Quando utilizar uma música com compasso ternário, 
que é o da valsa, fica mais viável fazer uma anotação a cada oito compassos, 
que equivale a oito tempos fortes. 
Claro que essas são apenas sugestões de como fazer um mapeamento 
musical, o qual é feito para estudo e compreensão da música a ser utilizada em 
determinada coreografia. O importante é o professor fazer esse estudo 
identificando as partes da música já mencionadas, para poder utilizá-lo na 
montagem da coreografia, fazendo também com que o aluno compreenda o 
ritmo da música. 
 
 
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Exemplo de mapeamento musical 
Fonte: acervo do autor (2017). 
 
1.4 Ritmos e possibilidades de movimentos 
 
Ao decorrer dos anos, muitos gêneros musicais foram sendo criados, e 
junto também surgiram possibilidades de movimentação de acordo com o ritmo. 
Entre eles é possível citar o ritmo afro-brasileiro, axé, bossa nova, baião, 
carimbó, catira, chula, coco, ciranda, forró, frevo, funk, lundu, maxixe, maculelê, 
rock, salsa, samba, samba de roda, valsa, entre outros. A seguir, serão 
apresentados alguns desses ritmos: 
 
➢ Afro-brasileiro: herança do povo africano trazida para o Brasil, o 
ritmo afro-brasileiro originou muitos outros ritmos, como o samba, 
por exemplo. Tem sua origem das tribos africanas, as quais 
usavam instrumentos de percussão como o tambor, ou até mesmo 
o corpo, ao bater ritmicamente os pés no chão. Era comum essas 
tribos fazerem cerimônias para diversos acontecimentos, nas quais 
eram usados movimentos naturais e que tinham relação com seus 
afazeres diários (cortar madeira, cultivar a terra, apanhar água, 
 
 
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entre outros), acompanhados de percussão (instrumental e 
corporal), como forma de celebração; 
 
É possível identificar algumas características desses movimentos, como 
o molejo do corpo e a intensa movimentação do quadril e do tronco. Por serem 
povos que tinham como fonte de alimento a plantação, os passos feitos durante 
as celebrações tinham relação com a terra, sendo realizados sempre com os 
joelhos levemente flexionados, ou seja, os movimentos eram para baixo, 
aterrados. 
Percebe-se também a utilização do quadril, que é o ponto de equilíbrio e 
centro de energia do corpo, sendo que seus movimentos repercutem em 
ondulações por todo o tronco, trazendo sensualidade aos movimentos. Além das 
partes do corpo já citadas, os braços e mãos também têm sua importância nesse 
tipo de dança, pois simulam algumas ações cotidianas, como segurar algum 
objeto. É comum também os africanos utilizarem a emissão de sons junto com 
suas danças, sendo cantos ou apenas gritos. 
 
➢ Axé: o axé é uma mistura de vários ritmos, em que se destaca a 
forte influência do ritmo afro-brasileiro. Surge na década de 1980, 
durante o carnaval da cidade de Salvador, na Bahia, e se expande 
para o restante do país; 
 
Vocabulário 
Axé: vem de asé, termo iorubá que significa energia, força, poder; significa a 
força sagrada de cada orixá do candomblé. 
 
➢ Baião: o baião nasceu no Nordeste brasileiro, misturando a 
experiência dos africanos ao dos nativos da região. Seu ritmo é 
dado principalmente pela sanfona, podendo ser complementada 
por outros instrumentos musicais, como o triângulo, a viola caipira, 
e o acordeon. Também é utilizado o canto, tendo como temática a 
vida cotidiana dos nordestinos e suas dificuldades, e a pessoa que 
 
 
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dança ao som deste ritmo escolhe seu substituto por meio de uma 
umbigada; 
 
Vocabulário 
Baião: ritmo musical, tipicamente nordestino, difundido a partir de 1946 pelo 
cantor, compositor e sanfoneiro Luís Gonzaga. Dança e canto popular 
normalmente conduzido e acompanhado por uma viola. 
 
Mesmo sendo mais conhecido no Norte e no Nordeste do Brasil, o baião 
se espalhou pelo país, sofrendo algumas modificações de acordo com a região. 
Por exemplo, no Sul a umbigada foi substituída pelo estalar dos dedos. 
 
➢ Carimbó: este ritmo teve origem em Belém, com elementos da 
cultura indígena, africana e portuguesa. Tradicionalmente o 
carimbó era executado por tambores, que eram acompanhados de 
outros instrumentos como o reco-reco, a flauta e maracás. Além 
disso, era dançado por casais que iniciavam em filas, e 
posteriormente o homem convidava a mulher para dançar por meio 
de palmas, começando a dança com amplos círculos e movimentos 
de saias. Este ritmo deu origem à lambada e ao zouk; 
 
Vocabulário 
Carimbó: é uma dança típica do Pará e da Ilha do Marajó. É considerada uma 
variação do batuque e, para dançá-la as mulheres usam saia comprida, bem 
rodada, e flores no cabelo. Carimbó em Tupi significa pau que produz som. 
 
➢ Catira: surgiu no estado de Goiás, no Norte de Minas Gerais e no 
interior de São Paulo, e seu ritmo é caracterizado pela batida dos 
pés e mãos das pessoas que participam da dança. Geralmente o 
catira é dançado por dez pessoas e mais dois violeiros, tendo 
poucas variações de uma região para outra; 
 
 
 
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➢ Chula: de origem gaúcha, o ritmo é dado principalmente pela gaita, 
violão, cavaquinho, e pandeiros, enquanto que os dançarinos 
(geralmente homens) fazem movimentos rápidos e sapateados, em 
uma espécie de disputa; 
➢ Forró: Também chamado de arrasta-pé, o forró surgiu no fim do 
século XIX, mas ficou mais conhecido na década de 1950. 
Característico de festas da região Nordeste brasileira, 
tradicionalmente é tocado por trios que tocam sanfona, zabumba e 
triângulo. Com influências de danças europeias e indígenas, as 
pessoas dançam ao ritmo do forró arrastando os pés no chão, 
semelhante ao arrastar do pé dos índios; 
➢ Frevo: de origem pernambucana, o frevo surgiu no fim do século 
XIX e tem um ritmo muito acelerado, sendo a música uma mistura 
de diversos gêneros (como a marcha, o maxixe, e a polca) e a 
dança influenciada pelos movimentos da capoeira. É dividido em 
três tipos: frevo de rua, frevo-canção, e frevo de bloco; 
 
Vocabulário 
Frevo: corruptela do verbo ferver, designando efervescência, agitação, 
confusão. Também conhecido como estilo de dança e ritmo musical típico do 
carnaval popular de Pernambuco. 
 
➢ Salsa: este ritmo surgiu a partir de 1950 com forte influência da 
música caribenha, predominando o uso de instrumentos de 
percussão. A salsa é latina, sendo uma mistura do ritmo africano 
com o dos índios que viviam no Caribe, com influências europeias 
e também do jazz estadunidense. Este ritmo foi mantido e sendo 
reinventado por latinosque viviam em Nova York, chegando ao 
modo que a conhecemos atualmente; 
➢ Samba: o samba se origina do ritmo afro-brasileiro e surge no início 
do século XX, na cidade do Rio de Janeiro, nas casas de migrantes 
da Bahia. Neste ritmo utilizam-se tradicionalmente instrumentos de 
percussão, tendo como base o violão e o cavaquinho. Mais tarde 
 
 
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passaram a utilizar também trombone, trompete, flauta e clarineta, 
por influência de orquestras americanas e do choro; 
➢ Valsa: a valsa é um ritmo que surgiu na Europa e chegou ao Brasil 
com a vinda da família real portuguesa. O ritmo musical é ternário, 
podendo ter o andamento moderado (francesa) ou rápido 
(vienense). Os passos têm como características principais a dança 
realizada por pares que giram e deslizam os pés pelo chão ao ritmo 
da música. 
 
 Mídias 
Assista ao vídeo do evento registrado pela Memory Produções Brasil no Teatro 
do SESI em Vitória/ES, disponível no link: https://www.youtube.com/watch?v= 
3jYn2CU_sgA 
 
Conclusão da aula 1 
 
Após o estudo sobre ritmo, é possível perceber como se dá sua presença 
na vida das pessoas, assim como a importância de se trabalhar com atividades 
rítmicas desde a infância, utilizando também uma variedade de instrumentos de 
percussão. Além disso, tem-se uma base de como coreografar uma música, 
estudando-a antes de iniciar a coreografia, podendo também trabalhar com seus 
futuros alunos os diversos ritmos que foram surgindo ao longo dos anos. 
 
Atividade de aprendizagem 
Pesquise no mínimo outros 5 (cinco) ritmos brasileiros que não foram 
abordados neste material, descrevendo suas origens, suas influências, quais 
instrumentos definem seu ritmo e quais as possibilidades de movimentação 
de cada um. 
 
 
 
 
 
 
 
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Aula 2 – Possibilidades de movimentação 
 
Apresentação da aula 2 
 
Olá! Seja bem-vindo (a) à segunda aula da disciplina de Dança e 
Atividades Rítmicas. Nesta aula serão abordadas algumas propriedades dos 
movimentos, assim como alguns estilos de dança atuais e suas possibilidades 
de movimentação. Para esta disciplina, é muito importante que você, aluno (a) 
do curso de Educação Física, compreenda de em que partem os movimentos 
corporais e quais são suas possibilidades, assim como os movimentos 
característicos de alguns estilos de dança. 
 
2.1 Movimento e comportamento motor 
 
Ao trabalhar com dança e atividades rítmicas, é necessária a exploração 
das possibilidades de movimentos do corpo, os quais incluem habilidades de 
estabilidade (equilíbrio dinâmico, estático e movimentos axiais), locomotoras e 
manipulativas. Assim, é importante estar atento à faixa etária dos alunos e à fase 
motora e estágio de desenvolvimento em que se encontram. Sendo assim, o 
período de 2 a 7 anos de idade, que se divide em estágios, como maduro, 
elementar e inicial, é compreendido como a fase motora, chamada de 
fundamental. 
O equilíbrio dinâmico é a capacidade de o indivíduo manter o equilíbrio do 
corpo em deslocamento, como caminhar e rolar, enquanto que o estático exige 
esta habilidade sem locomoção, como se equilibrar em um pé ou inverter a base 
de apoio para outra parte do corpo, por exemplo. Já os movimentos axiais, 
também chamados de posturas estáticas, incluem a inclinação do corpo, giros, 
rotações, alongamentos, entre outros parecidos. 
Quanto às habilidades locomotoras, pode-se citar como exemplo a 
caminhada, a corrida, o galope, os saltos e saltitos. E, como exemplos de 
habilidades manipulativas, tem-se o alcançar, segurar, soltar, lançar, pegar, 
chutar, bater, entre outras ações. 
 
 
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Fases do desenvolvimento motor 
Fonte: https://www.efdeportes.com/efd186/padroes-motores-fundamentais-de-movime 
nto-01.jpg 
 
2.2 O que é possível mover? 
 
Ao falar em movimento corporal, também é importante ter consciência de 
quais partes do corpo é possível movimentar: as articulações, em geral as 
sinoviais, ou seja, as articulações que possuem grande mobilidade, que podem 
flexionar e estender, abduzir e aduzir, rotacionar e/ou circundar, como os 
tornozelos, joelhos, coxofemoral, intervertebrais, temporomandibular, ombros, 
cotovelos, punhos, interfalangeanas, metacarpo falangeanas, e metatarso 
falangeanos. 
 
Vocabulário 
Rotacionar: ato ou efeito de fazer a rotação em torno de si mesmo; 
Temporomandibular: pertencente ou relativo ao temporal e à mandíbula. Diz-
se do músculo temporal; Interfalangeanas: redução dos espaços articulares 
interfalangeanos dos segundo, terceiro e quarto pododáctilos, bem como dos 
interfalangeano proximal do terceiro esquerdo, de caráter degenerativo; 
Metacarpo: parte do esqueleto da mão compreendida entre o punho e os dedos; 
Metatarso: parte do esqueleto do pé compreendida entre o tarso e os dedos. 
 
Além das possibilidades de movimentação de cada articulação móvel, é 
interessante saber como se dá a relação dessas articulações, trabalhando 
principalmente o alinhamento dos calcanhares com os ísquios, dos joelhos com 
 
 
21 
 
os pés, das partes da coluna, e das mãos e cotovelos com os ombros, o que não 
significa que os movimentos devem sempre seguir esse alinhamento. 
 
2.3 Espaço e possibilidades de movimento 
 
Cada movimento, de pequena, média ou grande amplitude, é realizado 
em alguma direção do espaço, frente/traz, lado direito/esquerdo, cima/baixo, e 
diversas diagonais. Para isso, tem-se como referência a posição do corpo ereto 
e com os pés inteiros no chão. A direção da diagonal é sempre entre duas 
direções citadas anteriormente, o que ficará mais claro ao estudar os planos. 
 
 Saiba mais 
No ensino do Ballet Clássico, existe o diagrama no qual se atribui um número 
para cada direção do espaço, ou seja, para os movimentos: frente/traz, 
direito/esquerdo, cima/baixo, e diversos diagonais, chamados de Vaganova, 
inventado pela bailarina de mesmo nome, no qual se atribui um número para 
cada direção do espaço. 
 
 
Direções no espaço – Método Vaganova 
Fonte: elaborado pelo autor (2017). 
 
Ao combinar algumas direções, têm-se os planos e eixos nos quais os 
movimentos são realizados: 
 
 
 
22 
 
➢ Plano sagital: utiliza as direções cima/baixo e frente/traz, 
eliminando a possibilidade de utilizar as laterais. Para melhor 
lembrar este plano, também se atribui o nome de plano da roda. 
Consequentemente, os movimentos feitos neste plano serão em 
torno de um eixo horizontal. Para entender o que é o eixo, é 
possível imaginar uma linha passando pelo centro do corpo, que 
inicia e termina nas direções não utilizadas de determinado plano, 
neste caso, uma linha que começa de um lado, atravessa o corpo 
e termina na outra lateral; 
 
 
Plano Sagital 
Fonte: elaborado pelo autor (2017). 
 
➢ Plano coronal: utiliza as direções cima/baixo e lado 
direito/esquerdo, não fazendo parte os movimentos que utilizam 
frente e trás. Também é chamado de plano frontal ou plano da 
porta. Assim, os movimentos deste plano acontecem em torno de 
um eixo anteroposterior, pois o eixo é dado por uma linha que inicia 
na frente, atravessa o corpo e termina na parte de trás (direções 
que não definem este plano); 
 
 
 
23 
 
 
Plano Coronal 
Fonte: elaborado pelo autor (2017). 
 
➢ Plano transversal: utiliza as direções frente/trás e lado 
direito/esquerdo, eliminando desta vez as direções cima e baixo. É 
conhecido também por plano da mesa, sendo que os movimentos 
acontecem em volta de um eixo vertical (inicia em cima, atravessa 
o corpo e termina embaixo, ou vice-versa); 
 
 
Plano Transversal 
Fonte: elaborado pelo autor (2017). 
 
 
 
24 
 
Além dos planos, os movimentos podem acontecer em diferentes níveis 
espaciais, ainda considerando como ponto de partida a posição do corpo ereto. 
A partir dessa posição, imagina-se uma linha horizontal na altura do umbigo: 
quando o umbigo se mantém nessa altura, seria o nível médio; ao ficar acima 
dessa linha imaginária, o nívelalto; e abaixo da linha imaginária, seria o nível 
baixo, ou seja, quando alguém está em pé, com os pés inteiros encostados no 
chão, seria o nível médio. Ao deixar apenas os dedos dos pés encostando o 
chão, ou saltar, tem-se o nível alto. E, ao flexionar bem os joelhos ou encostar 
outras partes do corpo no chão, estaria em nível baixo. 
 
 
Níveis Espaciais 
Fonte: elaborado pelo autor (2017). 
 
Como já dito anteriormente, os movimentos acontecem em diferentes 
amplitudes, perto ou longe do próprio corpo. Para isso, Laban (2006) deu o nome 
de Cinesfera (ou Kinesfera), que basicamente é o espaço pessoal que cada um 
carrega. Portanto, os movimentos podem ser feitos usando a Cinesfera pequena 
(mais próxima do corpo, como um aceno de mão tímido, por exemplo), 
representada pela cor azul abaixo; Cinesfera média (um pouco mais afastado do 
que o anterior, como um aperto de mão, por exemplo), representada pela cor 
rosa abaixo; ou a Cinesfera grande (o mais expandido possível, como se 
espreguiçar), representada pela cor verde abaixo. 
 
 
 
25 
 
 
Cinesfera 
Fonte: elaborado pelo autor (2017). 
 
2.4 Qualidades do movimento 
 
Rudolf Laban (1879-1958), após analisar e estudar os movimentos em 
diversos âmbitos, concluiu que todos possuem certas características, chegando 
aos quatro fatores do movimento: tempo, peso, fluxo e espaço. Assim, todo 
movimento tem um tempo rápido ou lento, um peso passivo ou ativo, um fluxo 
contínuo ou interrompido e um direcionamento no espaço focado/direto ou 
multifocado/indireto. 
O movimento pode ser rápido ou lento e até mesmo acelerando ou 
desacelerando. Já o peso de um movimento está relacionado com a ação da 
gravidade, ou seja, passivo quando cedo à gravidade, e ativo quando resiste a 
ela. O fluxo trata da energia do movimento. Podendo ser interrompido, o fluxo de 
energia é “quebrado”, como, por exemplo, ao parar bruscamente de caminhar 
para não bater em alguém ou algo; ou contínuo, em que o fluxo de energia não 
é interrompido. Quanto ao direcionamento do movimento no espaço, ele pode 
ser focado, o movimento tem um ponto específico de direção espacial (estudado 
anteriormente), como andar em linha reta, por exemplo; ou multifocado, quando 
um movimento passa por diversas direções espaciais, como andar em curvas. 
 
 
26 
 
 
Rudolf Laban (1879-1958) 
Fonte: http://www.wikidanca.net/wiki/images/b/b2/Laban.jpg 
 
2.5 Estilos de dança 
 
Ao longo dos anos, muitos estilos de dança têm surgido e se 
transformado, assim como muitos ritmos já vistos na aula anterior. Cada dança 
tem suas características, utilizando mais uma determinada qualidade de 
movimentação, ou um nível espacial, e até mesmo dando ênfase em algumas 
partes do corpo. É importante saber também que cada professor tem seu jeito 
de trabalhar e coreografar mesmo dentro de um estilo de dança, ou seja, cada 
profissional, e consequentemente suas coreografias, tem sua particularidade. 
O Ballet Clássico, técnica criada e adaptada há séculos, basicamente 
exige do bailarino movimentos rápidos e ágeis com os membros inferiores, e 
movimentos suaves com os membros superiores e meio tronco. É uma técnica 
codificada, com passos e nomes determinados, os quais são em idioma francês. 
Os passos seguem uma progressão, indo do nível mais fácil ao mais avançado, 
e não valorizam o movimento dos ombros e do quadril. Além disso, geralmente 
nesta técnica não se utiliza o nível baixo nas apresentações, apenas durante as 
aulas para melhorar a técnica dos passos executados em nível médio e alto. Os 
 
 
27 
 
momentos da aula passam por aquecimento, exercícios em nível baixo, 
exercícios na barra (fixada na parede da sala ou móvel), em deslocamento na 
diagonal da sala, e no centro da sala, terminando com um agradecimento, e não 
necessariamente nessa ordem. As músicas geralmente são clássicas, de ritmos 
variados. 
 
 
Apresentação de Ballet Clássico 
Fonte: https://cdn.pixabay.com/photo/2017/03/07/17/05/ballet-2124652_960_720.jpg 
 
O Jazz Dance tem influências da cultura negra, surgindo nos Estados 
Unidos no início do século XX, misturando-se com a cultura branca. Este estilo 
de Dança ganhou espaço nos musicais da Broadway e também no cinema e na 
TV, chegado a outros países e passando por muitas transformações até a 
atualidade. Tem como característica isolar partes do corpo em movimento, com 
movimentos fortes e contínuos, adaptando a técnica do Ballet Clássico. Além 
disso, geralmente neste estilo de dança se trabalha com as mesmas sequências 
coreográficas durante algumas aulas, como sequências de aquecimento, de 
barra, de diagonais e de centro, sendo lentas ou rápidas. Atualmente existem 
estilos de Jazz, como o Jazz Lyrical, Jazz Moderno, Jazz Contemporâneo, entre 
outros. 
 
 
28 
 
 
Jazz dance 
Fonte: https://blog.sodanca.com.br/wp-content/uploads/2018/11/jazz.jpg 
 
A dança moderna também surge no início do século XX, se contrapondo 
ao Ballet Clássico, buscando formas de se movimentar mais naturais e que 
expressassem o sentimento da época, principalmente durante e depois das 
guerras. Assim, neste estilo de dança não cabia mais usar sapatilhas nos pés, 
collants e coques no cabelo. Como qualquer outro estilo de dança, também 
passou por modificações e acabou se transformando em uma técnica, que no 
geral utiliza movimentos fortes e angulosos. 
 
 
Pose de dança moderna 
Fonte: https://br.depositphotos.com/stock-photos/dan%C3%A7a-moderna-s%C3%A9 
culo-xx.html?filter=all&qview=44894013 
 
A dança contemporânea surge em meados do século XX, negando a 
técnica do Ballet Clássico e o expressionismo da dança moderna, buscando o 
 
 
29 
 
movimento pelo movimento, usando muitas vezes gestos do cotidiano. Além 
disso, com a dança contemporânea, esta Arte chegou às ruas e a outros espaços 
diferentes do palco e do teatro. Ao se espalhar por todo o mundo, teve muitas 
modificações, e atualmente pode-se perceber vários tipos de dança 
contemporânea, que variam de acordo com a vivência de cada 
professor/coreógrafo e o que este julga ser importante, mesclando muitas vezes 
várias técnicas à sua dança. Ainda assim, nas aulas desse estilo de dança é 
importante trabalhar com o improviso de movimentos e com a capacidade de 
criação individual e coletiva dos bailarinos/alunos, se utilizando de movimentos 
e músicas muito variados, podendo até mesmo não utilizar músicas. Além disso, 
nesse estilo o nível espacial baixo é muito mais explorado em aulas e 
apresentações. 
 
 
Dança Contemporânea 
Fonte: https://pixabay.com/pt/dan%C3%A7a-contempor%C3%A2nea-desempenho-22 
13331/ 
 
A dança de salão inclui vários tipos de dança executadas por um par de 
dançarinos, e, como o próprio nome já diz, são dançadas em salão e surgiram 
em festas em diversas partes do mundo. Assim, existe o forró, o samba de 
gafieira, a lambada, a salsa, o bolero, o zouk, o tango, entre muitos outros ritmos, 
sendo que cada um tem seus movimentos e músicas característicos. 
Atualmente, além dos salões de festas, essas danças também são apresentadas 
em palco algumas vezes. 
 
 
 
30 
 
 
Dança de salão 
Fonte: https://br.depositphotos.com/stock-photos/dan%C3%A7a-de-sal%C3%A3o.html 
?qview=13607338 
 
O hip-hop é uma cultura que inclui dança, música e grafite e surgiu por 
volta da década de 1970 nos Estados Unidos, em comunidades latinas e negras. 
Atualmente, os estilos de Dança de hip hop são o breaking, locking, popping e 
krumping. No geral, os movimentos são rápidos e com fluxo interrompido. 
 
 
Hip-hop 
Fonte: https://br.depositphotos.com/stock-photos/dan%C3%A7a-moderna.html?qview 
=4489762 
 
A dança folclórica também abrange vários tipos de danças populares, 
que variam de acordo com a região de cada país, as quais estão ligadas à cultura 
de cada povo, ou seja, seus costumes, crenças e histórias. Cada dança tem seu 
tipo de movimentação, acompanhamento musical eroupas típicas. Algumas 
danças populares ultrapassam fronteiras e são praticadas em outros países, 
 
 
31 
 
sofrendo muitas vezes algumas modificações, como é o caso da dança do ventre 
e do sapateado, por exemplo. No Brasil, alguns exemplos de dança popular são: 
Catira, Ciranda, Maracatu, Maculelê, Frevo, Fandango, entre outros. 
 
Conclusão da aula 2 
 
Após o estudo das diversas possibilidades de movimentação do corpo, 
você, futuro professor, tem ferramentas para elaborar seus próprios movimentos 
e para instigar os alunos a investigarem os movimentos corporais a partir dos 
conteúdos abordados nesta aula, podendo abordar mais de um conteúdo por 
vez, por exemplo, além de investigar as possibilidades de movimentos em nível 
baixo, utilizando apenas a lateral, com fluxo interrompido. Além disso, também é 
interessante abordar estes conteúdos por meio de ações corporais do cotidiano, 
como empurrar, pressionar, jogar, entre outros. 
 
Atividade de aprendizagem 
Elabore e descreva uma atividade de dança para crianças de 6 (seis) a 8 
(oito) anos, utilizando no mínimo dois conteúdos abordados nesta aula e 
escolhendo um estilo de dança a ser trabalhado. 
 
 
 
 
Aula 3 – História da Dança 
 
Apresentação da aula 3 
 
Olá! Seja bem-vindo (a) à terceira aula da disciplina de Dança e Atividades 
Rítmicas. Nesta aula serão abordados alguns acontecimentos históricos da 
dança no âmbito mundial e nacional, de acordo com cada período da 
humanidade. 
Ao trabalhar com a dança, é imprescindível entender porque atualmente 
existem tantos estilos de dança, sendo que cada trabalho traz um pensamento 
do que é corpo, do que é dança e de em que ela pode ser apresentada. Além 
 
 
32 
 
disso, também é importante saber por que a Dança Folclórica, na realidade, são 
várias danças, surgindo de acordo com cada região. Para isso, é necessário 
estudar, mesmo que brevemente, seu contexto histórico. 
 
3.1 A dança na Antiguidade 
 
A dança é praticada desde a existência de povos primitivos, surgindo 
como uma necessidade, por vários motivos. Inicialmente, acredita-se que esses 
povos dançavam para tentar se comunicar, expressando seus sentimentos, e 
posteriormente passaram a utilizar esta linguagem corporal em rituais e 
celebrações de um povo. 
Esses povos passaram a acreditar que a dança tinha certo poder sobre a 
natureza, então surgiram rituais dançados para atrair chuva, calor e também para 
curar pessoas doentes e afastar o espírito dos mortos, por exemplo. Os 
movimentos dessas danças eram inspirados nos animais e nos fenômenos 
naturais, como a corrente de um rio ou os ventos. Também era comum o uso de 
adornos e máscaras, que tinham relação com o objetivo da dança que 
executavam. 
É importante perceber que até então a dança não tinha caráter de 
divertimento, nem existia como uma arte, mas sim como uma manifestação de 
um povo que dançava de acordo com suas crenças e necessidades. Isso foi 
mudando de acordo com cada sociedade e sua cultura. 
Na Índia, acredita-se que a dança foi uma revelação divina, e na tradição 
hindu, ela é atribuída ao deus Shiva, um dos três deuses do hinduísmo. Assim, 
tem-se a dança do deus Shiva Nataraj, conhecido como o deus dançarino, o qual 
expressa cinco atividades divinas: criação, manutenção, destruição, 
reencarnação e salvação. Antigamente, existiam as dançarinas sagradas 
Devadasis, que homenageavam os deuses de determinado templo, e com o 
tempo passaram a dançar para o rei e também para o público presente em 
festas. 
No século II a.C., o sábio Bharata Muni escreveu um manual chamado 
Natya Shastra, com todas as regras da dança indiana (Nritya), em que também 
há a classificação de todos os estilos de dança e a descrição dos Hastas Mudras, 
 
 
33 
 
que são gestos corporais executados principalmente pelas mãos com um 
significado para cada. 
Na China, a dança fazia parte das solenidades imperiais desde 
aproximadamente o século II a.C., e que eram rigorosamente treinadas. Os 
dançarinos aprendiam as danças desde a infância, abandonando suas famílias. 
Atualmente, as danças chinesas são divididas em três estilos: clássica, 
civil/militar, e danças folclóricas. 
No Japão, a dança era considerada um vínculo entre os deuses e o 
homem, sendo que as danças realizadas na corte imperial se chamavam mi-
kagura, e as que aconteciam nas aldeias, sato-kagura. Os sacerdotes (miko) 
criaram e instituíram as danças (kagura) cerimoniais para fortalecer as preces 
das pessoas e expressar os mandamentos dos deuses. 
 
 
Kugara dance 
Fonte: http://www.cacadoresdelendas.com.br/japao/wp-content/uploads/2014/04/kagu 
ra.jpg 
 
No Kojiki, um livro sagrado do Japão, encontra-se uma explicação de 
como surgiu a dança, que teria sido realizada pela primeira vez por uma deusa. 
Assim, os imperadores recebiam homenagens por meio de danças, pois eram 
considerados descendentes dos deuses. Essas danças feitas como forma de 
homenagem eram do estilo Mai, ou seja, uma dança lenta, clássica e solene; 
enquanto que as danças praticadas pelos camponeses ou em festas populares 
eram do estilo Odori, festivas, ágeis e espontâneas. 
 
 
34 
 
No Egito, a dança também era relacionada com o sagrado e praticada 
vastamente. Após praticar a dança sagrada, o povo do Egito passou a praticar a 
dança litúrgica, e posteriormente a dança de recreação/lazer. As danças eram 
praticadas apenas pelos escravos, servos e sacerdotisas especializados para 
esta função, servindo para divertimento dos faraós e dos nobres. A criação da 
dança era atribuída ao deus Bes, enquanto que a patrona da dança era a deusa 
Hathor, e ambas as figuras eram relacionadas à palavra Hbij, que significa 
dançar e estar feliz. Os tipos de dança presentes no antigo Egito eram a dança 
dancística, dança mímica, dança ritual e a dança processional. 
Na Grécia, mais uma vez a dança estava associada aos deuses, tendo 
grande importância na vida cívica e religiosa dos gregos. Atribuíam a invenção 
da dança à titã Réia, e duas figuras mitológicas eram envolvidas com os tipos de 
dança existentes: Dionísio, que representava as danças de rituais de fertilidade, 
além das danças alegres e espontâneas; e Apolo, que representava a dança da 
ordem e da beleza, influenciada pelas nove deusas que o acompanhavam e 
inspiravam as artes e as ciências, sendo a Terpsícore a musa da dança. Por fim, 
existiam as danças ditirâmbicas, as religiosas, as dramáticas, as guerreiras, as 
de nascimento e pós-parto, e as nupciais. 
Em Roma, a dança de origem agrária e religiosa foi introduzida pelos 
etruscos no período dos reis, em que se destacaram as danças relacionadas aos 
deuses. No período da república, a dança passou a ter um caráter de recreação, 
época em que se praticava a chamada dança sinistra, que consistia em pessoas 
irem assistir, no coliseu, criminosos, escravos e rebeldes pegando fogo. Já no 
período do império romano, a dança voltou a ser praticada por outras pessoas, 
inclusive as da classe alta, destacando-se a pantomima dançada, atraindo 
muitas pessoas aos espetáculos. 
 
3.2 A dança durante a Idade Média 
 
Prolongando-se por aproximadamente mil anos, a Idade Média foi 
marcada por invasões, guerras, doenças e pelo teocentrismo. Nessa época, os 
teatros existentes passaram a ser usados raramente para cerimônias religiosas, 
e as peças de teatro foram adaptadas para tratar apenas de temas permitidos 
pelo cristianismo. 
 
 
35 
 
A Igreja cristã entendia corpo e espírito separados, sendo que o corpo era 
a carne que simbolizava o pecado, e o espírito era entendido como a alma da 
vida eterna no céu. Assim, a dança era entendida pela Igreja como um grave 
pecado, mas mesmo assim o povo continuou a praticá-la em seus costumes e 
rituais, aliando-os às datas comemorativas cristãs. Mesmo com várias tentativas 
de proibição da dança, os costumes do povo persistiam, destacando-se assim 
algumasdanças praticadas nessa época: 
 
➢ Choreae-Carola: dançada em círculo; 
➢ Tripudium: dançado em filas; 
➢ Dança de Los Seises: dançada por seis crianças durante a Semana 
Santa da Igreja, dando origem aos coroinhas. 
 
Mais tarde surge a Dançomania, que dura até o Renascimento, e era uma 
dança coletiva que durava horas, com as pessoas dançando freneticamente pelo 
desespero diante da morte, ou seja, esta dança era um sinal de histeria coletiva 
frente às pragas e às epidemias da época, as quais a igreja dizia que era um 
castigo de Deus aos pecadores. Recebeu diferentes nomes de acordo com a 
região, como: 
 
➢ Dança Macabra: de origem árabe, que era dançada em círculos 
com movimentos frenéticos e saltos, dançando-se até a morte; 
➢ Tarantismo: surgido na Itália, acreditando-se que o movimento 
frenético iria expelir, pelo suor, o veneno da aranha tarântula, que 
era uma praga na região; 
➢ Dança de São Vito: que surgiu na Alemanha e nos Países Baixos, 
em que as pessoas dançavam por horas seguidas, esperando pela 
morte. 
 
No Teatro Religioso, a Dançomania simbolizava a insanidade que o 
pecado causava nas pessoas. No Teatro Popular, apareciam as figuras do diabo, 
com gestos desarticulados e com uma dança “quebrada”, e dos anjos, que 
dançavam em círculos. 
 
 
36 
 
Durante a Idade Média, também surgiram os trovadores e menestréis, que 
eram artistas que conheciam as danças populares de diversas regiões. Eles 
levavam à corte essas danças, adaptadas para serem dançadas pela nobreza 
durante os bailes. Surge, assim, a: 
 
➢ Haute Danse (dança alta): com movimentos alegres, saltitantes e 
de rápida execução, na qual as pessoas muitas vezes se tocavam, 
sendo praticadas pelos camponeses; 
➢ Basse Danse (dança baixa): com movimentos suaves, elegantes e 
de execução lenta, realizadas pelos nobres. 
 
No geral, as principais danças desse período foram: 
 
➢ Danças de pares; 
➢ Rem que de Dames; 
➢ Bergamasca ou Bergamasque; 
➢ Courante; 
➢ Sarabanda; 
➢ Mourisca; 
➢ Polonaise; 
➢ Estampie. 
 
Também surge nessa época uma espécie de dança como espetáculo, 
chamado momo, em que os participantes se disfarçavam usando máscaras e 
fantasias, apresentando essa dança entre os pratos de um banquete da corte, a 
qual deu origem posteriormente ao ballet de corte. 
 
3.3 A dança a partir do Renascimento 
 
O renascimento era uma época marcada principalmente pelo 
Antropocentrismo. As cortes renascentistas eram sinônimo de luxo, ostentação 
e conforto, nas quais aconteciam grandiosos bailes com muita música e dança. 
Em Florença (Itália), Lourenço de Médici começou a realizar festas 
chamadas de Triunfos (ou Triunphi), que duravam dias seguidos, e tinham como 
 
 
37 
 
temas as lendas da Antiguidade Grega e Romana, comparando o patrono da 
festa ao herói/deus abordado. As danças eram compostas para cada ocasião e 
apresentadas entre os pratos do banquete pelos próprios cortesãos, ensaiados 
por um mestre de dança. 
Na corte renascentista surge a dança técnica, que se difere das danças 
populares dos camponeses. A dança passou a ser parte da etiqueta social da 
época, sendo primordial conhecer os códigos e passos que foram sendo criados. 
Assim surgem os Mestres de Dança, que tinham como principais funções: 
ensinar os passos e as danças aos cortesãos, compor triunfos/ballet s de corte, 
dançar nos espetáculos e escrever os Tratados de Dança, nos quais continham 
os códigos, regras e os passos sobre as danças praticadas. 
Dentre alguns desses Tratados de Dança, um dos mais importantes é o 
Nuove Inventioni di Balli (Nova Invenção do Balé), de Cesare Negri, publicado 
em 1604, no qual uma das regras apresentadas era o piedi in fuora (pés voltados 
para fora), que mais tarde se tornou o en dehors no Ballet Clássico. Porém, já 
em 1588, foi publicado o tratado Orchésographie (Oschesografia, a escrita da 
dança), de Thoinot Arbeau, no qual já aparecia a necessidade das pernas e pés 
en dehors, além das regras que posteriormente deram origem às cinco posições 
do ballet clássico. 
 
 Saiba mais 
Thoinot Arbeau é o pseudônimo anagramático de um clérigo francês chamado 
Jean Tabourot, autor de uma renomada obra musical chamada Orchésographie, 
um tratado sobre danças sociais da França Renascentista do final do século XVI. 
 
As principais danças praticadas nas cortes renascentistas foram: 
Saltarello (Pas de Brébant), Branle, Pavana (ou Pavane), Galharda, Courante 
(ou Corrente), Alemanda, Sarabanda (ou Zarabanda), Gavotte (ou Gavota), 
Minueto, Bourré e Giga (ou Jigue). 
Quando Catarina de Médicis (bisneta de Lourenço) se casa com o francês 
Duque de Orleans (rei Henrique II), leva da Itália para a França a arte praticada 
na corte italiana. Anos depois, ao assumir o poder da França, também leva 
alguns artistas italianos para produzir luxuosos espetáculos, com a finalidade de 
distrair a corte. Assim surge o Ballet de propaganda política. 
 
 
38 
 
Em 1555, chega à França o mestre de dança Balthasar de Beaujoyeux, 
de origem italiana, que em 1567 é nomeado por Catarina de Médicis, o mestre 
de danças e espetáculos da corte francesa. Ele criou o Ballet des Polonais e 
depois o Ballet Comique de La Reine (1581), sendo seus intérpretes os próprios 
cortesãos. 
Assim, surgem os ballets de corte, em substituição aos triunfos, e que 
tinham as seguintes características: sua duração era de algumas horas, não 
dias; a ação dramática é ininterrupta; eram compostos por dança, música, 
poesia, canto e cenários com máquinas; o elenco eram de cortesãos; utilizavam 
dança geométrica de solo; e tinham várias entrées (praticamente desfiles), com 
diversas finalidades, como aparecer e mostrar roupas e joias, sem conexão com 
a história. 
A dança geométrica de solo era a utilização de desenhos geométricos no 
espaço, em que os intérpretes montavam e desmontavam quadrados, círculos, 
triângulos, entre outras formas, pois o público a via de cima. 
 
3.4 A importância do rei Luís XIV para a dança 
 
O ballet de cour (de corte) chega ao seu auge no reinado de Luís XIV (rei 
pelo período de 1643 a 1715), que se dedicou ao ballet e em 1651 dançou pela 
primeira vez em público, em um ballet coreografado por Pierre Beauchamps. Por 
sua vez, Beauchamps foi mestre de dança do rei Luís XIV e definiu as cinco 
posições básicas do Ballet Clássico. 
 
 Saiba mais 
A Corte francesa foi o modelo mais imitado por todos os príncipes da Europa, 
sobretudo quando Luís XIV trocou o Louvre em Paris, por Versalhes. Para saber 
mais, assista ao vídeo referente à vida de Luís XIV e o esplendor do seu palco, 
o Palácio de Versalhes, disponível no link: https://www.youtube.com/watch?v 
=uBrM6pGPfX8 
 
Foi no Ballet de La Nuit (1653), com enredo político, que Luís XIV 
apareceu como o Rei-sol que derrotava as trevas, as quais representavam seus 
países inimigos. Em 1661, Luís XIV funda a Academia Real de Dança, sua 
 
 
39 
 
primeira criação acadêmica, composta por treze mestres de dança e de música 
que serviam na corte. 
Assim, a dança passa por algumas transformações, tornando a forma 
mais importante que o conteúdo, crescendo a tendência ao virtuosismo técnico 
e acelerando o processo de profissionalização na dança. Além disso, a repetição 
de temas e de movimentos extingue a inspiração e a sensibilidade, enrijecendo 
o corpo, a técnica e a dança. 
Em 1669, Luís XIV fundou a Académie Royale de La Musique, que tinha 
também uma escola de dança, conhecida atualmente como Ópera de Paris. Sob 
direção de Jean-Baptiste Lully, em 1672 essa academia passou a se chamar 
Académie Royale de Danse e Musique. A função dessa escola foi a de 
sistematizar o ensino do ballet por meio de um esquema rígido de posições do 
corpo, com orientação de Beauchamps. Além disso, Lully, junto com Molière, 
criaram o gênero Commédie-Ballet, juntando canções, coros, danças e 
elementos da Commédiedell’Arte.Vocabulário 
Commediedell’Arte: forma de teatro popular surgida no século XV na Europa, 
na qual os atores improvisavam a partir de um roteiro simples e usavam 
máscaras que caracterizavam determinados personagens deste estilo. 
 
Luís XIV também inaugurou dois teatros (Palais Royal e Petit Bourbon), 
levando a primeira geração de bailarinos profissionais para o palco. Devido ao 
palco elevado e os espectadores todos do mesmo lado, tornou-se necessário o 
uso do endehors, para que os bailarinos sempre ficassem de frente para o 
público. Esta mudança também verticalizou a dança, mudou as vestes em cena, 
e fez com que a técnica fosse vista como um fim. 
Os espetáculos tornaram-se uma diversão, e um novo gênero foi colocado 
em palco no século XVIII, a ópera-ballet. Assim, a mitologia retratada era mais 
próxima das experiências humanas, e os dançarinos passaram a usar roupas 
parecidas com as do cotidiano, ou seja, perucas, sapatos de salto e vestes 
pesadas. 
 
 
40 
 
Até que surge um reformador da dança, Jean Georges Noverre, que a 
partir de 1760 publica 33 Cartas sobre a dança e sobre os balés. Assim nascia 
o Ballet d’Action (ou ballet -pantomima), em oposição ao Ballet d’Entrée, 
priorizando a natureza e a expressão dos sentimentos e emoções, sem excesso 
de vestimentas. Noverre protagonizava o pré-romantismo na dança. 
 
3.5 A dança e o Romantismo 
 
Sob o lema da Revolução Francesa (liberdade, igualdade e fraternidade), 
a dança teatral tem uma grande mudança, surgindo então o ballet romântico, 
com a valorização do sentimento sobre a razão. 
Assim, algumas características do ballet romântico são: a preferência pelo 
sobrenatural, como fantasmas, sílfides, sereias, entre outros; as cores mudam, 
geralmente trazendo muita cor no 1º ato (natureza) e cores mais escuras no 2º 
ato (sobrenatural); luta do mundo real com o mundo irreal, levando à morte de 
um dos personagens principais; busca do homem pelo inatingível; e movimentos 
suaves, expressivos, dando destaque aos movimentos dos braços. 
Tecnicamente, algumas mudanças foram possíveis, como bailarinas em 
voo, personagens que apareciam e desapareciam, além da iluminação a gás e 
do tutu romântico (saia usada pela bailarina). Neste contexto surge o avanço 
técnico que se tornou símbolo do ballet, a sapatilha de ponta. 
Dois documentos importantes dessa época, que trazem as novidades do 
ballet e sua codificação, são Traité Élémentaire de La Danse (Tratado Elementar 
da Dança) e Code de Terpsichore (Código de Terpsícore), do professor Carlo 
Blasis. 
O primeiro ballet romântico foi La Sylphide (1832), de Filippo Taglioni, 
seguido de vários outros, entre os quais se destacam: La Fille du Danube (1836), 
Giselle (1841), La Fille de Feu (1842), La Esmeralda (1844), e Coppélia (1870), 
que foi o último bailado desse período romântico. 
 
3.6 O ballet russo 
 
Diferente do que foi visto até agora, o ballet clássico russo se desenvolveu 
em contato com os camponeses, ficando marcado pela vitalidade que este povo 
 
 
41 
 
agregava ao ballet. Assim, dois núcleos formadores de bailarinos surgem: 
Maryinski/Kirov (1889), em São Petersbugo, e Bolshoi (1856), em Moscou. 
Os estudantes de ballet que frequentavam as escolas na Rússia, 
patrocinadas pelos imperadores, viviam sob regime de internato e eram muito 
respeitados pela sociedade. Entre vários nomes, o da bailarina Agrippina 
Vaganova se destaca pelo seu trabalho e pelo livro Fundamentos do Ballet 
Clássico. 
Um coreógrafo russo que se destacou foi Marius Petipa (1822-1910), 
sendo que suas obras tinham como características: narrativa longa, tendo 3 ou 
4 atos; divertissement, que eram danças para divertir o público; pás de deux, que 
consistia em um dueto entre a bailarina e o bailarino principais e se dividia em 4 
partes, Adágio, solo masculino, solo feminino, e Coda; a inclusão de outros tipos 
de danças, como as folclóricas; e grandes cenários que criavam efeitos 
especiais. Suas principais obras, em conjunto com outros artistas, são: A Bela 
Adormecida (1890), Quebra-Nozes (1892), O Lago dos Cisnes (1877), La 
Bayadère (1877), e Cinderella (1893). 
 
 
Irina Kolesnikova (in Swan Lake) – St Petersburg Ballet Theatre (2018) 
Fonte: http://seenandheard-international.com/wp-content/uploads/2018/03/Kolesnikova 
-Irina-Lac-des-Cygnes-%C2%A9-KT_OK_preview-500x333.jpeg 
 
No final do século XIX, entra para a administração do teatro o russo Sergei 
Diaghilev, que propõe mudanças nos ballets e logo é demitido. Indo de encontro 
com a época de revolução, Diaghilev publicava revistas nas quais falava das 
mudanças que julgava necessárias para a Arte no geral, como a integração das 
 
 
42 
 
Artes para a montagem de um bailado (música, figurino, cenário e coreografia) 
e a redução do tempo de duração de uma obra. 
No teatro, teve contato com Michel Fokine, coreógrafo importante que 
estava surgindo. Assim, se unindo a Fokine e outros bailarinos dos teatros 
Imperiais, fazem as duas primeiras temporadas dos Ballets Russos em Paris 
(1909 e 1910). Em 1911, com o nome de Ballets Russes de Diaghilev, iniciam 
sua terceira temporada por Roma, Paris, Monte Carlo e Londres. 
Em 1912, Diaghilev coloca o até então bailarino Vaslav Nijinsky para 
coreografar também, que cria O Entardecer de um Fauno, obra polêmica 
apresentada em Paris. Depois da estreia, Fokine abandonou a companhia. Em 
1913, estreava A Sagração da Primavera, de Nijinsky, em que apareciam 
elementos neoclássicos da dança. 
No ano seguinte, por motivos pessoais, Diaghilev demite Nijinsky e 
recontrata Fokine. Já em 1917, o coreógrafo da companhia é Leonide Massine, 
com obras influenciadas pelo Cubismo e Surrealismo. Na década de 1920, surge 
Bronislava Nijinska como coreógrafa dos ballets e, posteriormente, George 
Balanchine. Após a morte de Diaghilev, sua companhia se transforma em duas 
no ano de 1932: Ballets Russos de Monte Carlo, com sede em New York, e 
Original Ballet Russe, com sede em Londres. 
 
3.7 A Dança Moderna 
 
No início do século XX, o homem vive a mecanização do trabalho, o que 
influencia o pensamento de que ao homem deveria ser devolvida sua 
consciência corporal e o movimento deveria vir de dentro para fora do corpo, de 
forma mais natural. Assim, surgem as pioneiras da Dança Moderna, com este 
pensamento oposto ao da escola clássica, como Isadora Duncan, Luie Fuller e 
Ruth St. Denis. 
Além disso, não era mais possível dançar um mundo fantasioso frente às 
grandes guerras que o mundo enfrentava, mudando o pensamento e os 
movimentos da dança, surgindo lugar para a liberdade criativa individual. 
Algumas características em comum dessa dança são: pés descalços, 
movimentos que partem do centro do corpo, movimentos em nível baixo, uso da 
dramaticidade e significação dos gestos. 
 
 
43 
 
Em 1922, nos Estados Unidos, St. Denis e Ted Shawn fundam a 
Companhia e Escola de Danças Denishawn, e desta escola/companhia surgiram 
nomes importantes para a Dança Moderna, como Martha Graham, Doris 
Humphrey e Charles Weidman. 
Humphrey e Weidman fundaram sua própria escola e companhia, 
desenvolvendo uma técnica que se aproximava mais do homem estadunidense, 
de sua rotina e suas ações e movimentos naturais, tendo como referência teórica 
Nietzsche. Graham também criou sua técnica de Dança Moderna, usando muito 
a contração e o relaxamento como princípios básicos de movimentação, que 
geralmente eram angulares, fortes e cortados. Suas coreografias tinham a 
intenção de mostrar o interior do ser humano. 
Outros importantes nomes deste estilo de dança que também criaram 
obras coreográficas com conteúdo social, político e psicológico foram José 
Limón, Alvin Ailey, Alwin Nikolais, Merce Cunningham, Kurt Joss, e Mary 
Wigman, sendo estes dois últimos os pioneiros da Dança Moderna na Alemanha. 
 
3.8 A dança pós-moderna 
 
Após a dança moderna, houve a necessidade de trazer para a dançao 
movimento apenas pelo movimento, sem dramaticidade, enredos, e 
artificialidades agregados a ela até então. Destaca-se, assim, o trabalho do 
coreógrafo Cunningham, que durante os anos 1940 afasta-se da dança moderna 
e começa a questionar sua ideologia, por meio de outras opções cênicas e tendo 
a improvisação de movimentos como um fim. 
Seguindo essa lógica, surgiram os happenings e as performances em 
New York, no final da década de 1950, em que vários artistas se juntavam em 
um espaço para fazer sua arte. Basicamente, a característica desse estilo de 
dança que surge é a liberdade criativa e a experimentação, de acordo com a 
necessidade individual de cada artista, surgindo assim muitos estilos e métodos 
de criação. Alguns nomes muito importantes dessa época são: Yvonne Rainer, 
Trisha Brown, Steve Paxton, Lucinda Childs, David Gordon, e Deborah Hay. 
A partir disso, nas décadas que se seguiram foram surgindo outros estilos 
de dança, como a dança-teatro, destacando-se o trabalho da alemã Pina 
Bausch; o Contact Improvisation, que consiste em improvisações de movimentos 
 
 
44 
 
a partir do contato de duas ou mais pessoas; e os trabalhos interdisciplinares, 
utilizando a tecnologia junto com a dança, por exemplo. Atualmente é possível 
falar em diversos tipos de Danças Contemporâneas. 
 
3.9 A dança no Brasil 
 
Quando os colonizadores europeus chegaram ao Brasil, já existiam as 
danças indígenas, com as características daquelas praticadas pelos povos 
primitivos. Assim, os jesuítas utilizaram a dança como uma das formas de atrair 
e catequizar os índios. Mais tarde, com a chegada dos escravos africanos, vão 
se misturando ao longo dos anos as danças indígenas, africanas e europeias, 
dando origem às danças folclóricas que conhecemos atualmente. 
Já a dança teatral chegou ao Brasil em 1808, junto com a família real, e 
eram apresentadas nas casas de espetáculos que aqui existiam. Assim, a ida ao 
teatro passou a fazer parte da vida social, e alguns mestres de dança e 
coreógrafos foram importados para cá, como Louis Lacombe (chegada em 
1811), Auguste Toussaint (chegada em 1815), Estela Sezefreda (chegou junto 
com a corte), Felipe e Carolina Catton e Luigi Montani (chegada em 1829), e 
Giuseppe de Vecchy (chegada em 1843). 
Mesmo com a apreciação da Arte, existia certo preconceito em relação à 
dança. Ainda assim, a dança de salão se desenvolvia durante os bailes, sendo 
que as mais dançadas no final do século XIX eram a valsa, a polca, a quadrilha, 
os lanceiros, o xote e o galope. 
No início do século XX, o centro artístico e cultural era a cidade do Rio de 
Janeiro, em que vários artistas e companhias internacionais se apresentavam no 
Teatro Municipal, como Loie Fuller, Ballets Russes de Diaghilev, Isadora Duncan 
e Anna Pavlova. Além disso, alguns artistas estrangeiros vieram morar no Brasil, 
vislumbrando a possibilidade de trabalho no campo artístico e fugindo da II 
Guerra Mundial que eclodia, como foi o caso de Maria Olenewa, Vaslav Veltchek, 
Yuco Lindberg, Iurek Shabelewski, Tatiana Leskova, Eugênia Feodorova, Igor 
Chvezov, Aurel Milloss, Vera Grabinska, Pierre Michailowsky, Tadeusz 
Morozowicz, Nina Verchinina, Ianka Rudzka, Renée Gumiel e Maria Duschenes. 
Com a vinda de tantos artistas para cá, de diferentes estilos de dança, 
foram criadas as primeiras escolas de dança no Brasil, sendo a primeira 
 
 
45 
 
inaugurada por Maria Olenewa no Rio de Janeiro, que mais tarde se tornou a 
Escola de Dança do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Já Iurek Shabelewski 
se fixou em Curitiba, em que posteriormente ajudou a fundar o Balé Teatro 
Guaíra. 
A partir de 1970, outros grupos de dança vão surgindo no Brasil e mantêm 
seus trabalhos até hoje, cada um com seu estilo, como o Centro de Pesquisa 
Corporal Arte e Educação (fundado por Angel e Klauss Vianna em 1975 – RJ), 
Ballet Stagium (1971 – SP), Grupo de Dança Cisne Negro (1977 – SP), Balé 
Teatro Guaíra (1969 – PR), Grupo Corpo (1975 – MG), Déborah Colker (1994 – 
RJ), Quasar (1988 – GO), e Cena 11 (1994 – SC). 
 
3.10 Dança Folclórica 
 
Como já dito anteriormente, a dança folclórica surge da cultura, do modo 
de viver, das crenças, valores e dos costumes de um povo. Assim, existem várias 
danças folclóricas, no Brasil e em outros países, e também são chamadas de 
danças típicas ou danças populares. 
No geral, algumas características são observadas nas danças populares: 
as figuras que formam no espaço (círculo, filas, fileiras, entre outros); 
acompanhamento musical, específico para cada dança; realização em pares, 
conjuntos ou individual; separação por sexo e uso de indumentária e outros 
acessórios condizentes com a dança e a cultura do povo. 
A nível internacional, é possível encontrar algumas danças típicas de 
determinados países: na Índia, tem-se a Bharata Natyan; na China, as danças 
folclóricas são divididas em danças de festas de temporada, danças da vida, 
danças rituais, danças de crenças, e danças baseadas no trabalho; no Japão, 
tem-se Kagura, Odori, Nô, e o Kabuki. Neste âmbito, ainda é possível citar a 
Dança do Ventre (Egito e outras regiões do Oriente), o Tango (Argentina), a 
Tarantella (Itália), o Flamenco e a Sevilhanas (Espanha). 
Voltando ao Brasil, cada região tem suas danças típicas, as quais foram 
sendo influenciadas pela cultura dos povos que aqui chegavam em diferentes 
períodos: africanos (de diferentes regiões do continente), portugueses, 
holandeses, alemães, entre outros povos europeus, além dos índios que já 
 
 
46 
 
habitavam aqui. Assim, algumas regiões do país terão mais características das 
danças africanas, outras das indígenas e outras da Europa. 
No geral, é possível citar as seguintes danças, de acordo com a região 
brasileira: Chimarrita, Milonga, Polca, Mazurca, entre outras do RS; Balainha e 
Boi de Mamão, de SC; Jongo, de SP; Samba e Xiba, do RJ; Dança do 
Tamanduá, de ES; Caxambu e Mineiro-Pau, de MG; Catira e Tambor, de GO; 
Dança de São Gonçalo, Cururu, e Siriri, de MT; Sarandi, Polca de Carão, e 
Chupim, de MS; Maculelê, da BA; Marajuda, Reisado, e Cavalo Piancó, do PI; 
Torém e Coco, do CE; Cacuriá e Tambor de Criola, do MA; Cavalo Marinho, 
Caboblinhos, Maracatu, e Frevo, de PE; Espontão, do RN; Desfeitera, Dança do 
Maçarico e Camaleão, do AM; Carimbó e Lundu Marajoara do PA. 
No Paraná, as danças típicas encontradas são: Pau-de-fitas, de origem 
alemã, que consiste de um número par de pessoas dançando em torno de um 
mastro com fitas coloridas; e Fandango, de origem portuguesa com influência 
indígena, na qual as pessoas dançam em roda com passos valsados, e o ritmo 
é dado também pelas palmas e batidas dos pés. Em Curitiba, é possível 
encontrar diversos grupos folclóricos que praticam as danças de determinados 
países europeus, e que participam há vários anos do Festival Folclórico e de 
Etnias realizado na capital. 
 
Conclusão da aula 3 
 
Após o breve estudo da história da Dança, é possível perceber como esta 
linguagem passou de uma necessidade individual para uma coletiva, se 
transformando de dança ritual para divertimento, e posteriormente sendo 
entendida como Arte. Também é possível compreender porque cada região tem 
suas danças populares, que carregam a história de determinado povo. 
 
Atividade de aprendizagem 
Descreva no mínimo 3 (três) pensamentos sobre a Dança Contemporânea 
que existem atualmente, relacionando-os com diferentes trabalhos realizados 
por grupos e coreógrafos. 
 
 
 
 
47 
 
Aula 4 – Dança na Educação Básica e para populações especiais 
 
Apresentação da aula 4 
 
Olá! Seja bem-vindo (a) à quarta e última aula da disciplina de Dança e 
Atividades Rítmicas. Nesta aula serão abordados conteúdos que trazem 
possibilidades da dança na Educação Básica e adaptações da dança para 
grupos especiais. 
A dança também é trabalhada nas escolas, por isso é importante entender 
como se dá a relação desta áreado conhecimento neste ambiente educacional, 
por meio de documentos que norteiam a ação docente e reflexões sobre a 
importância de suas práticas. Além disso, em diversos espaços de ensino pode 
ser necessário adaptar a prática da dança para populações especiais, assunto 
também desta aula. 
 
 
A dança e as pessoas com deficiência 
Fonte: https://petitedanse.com.br/wp-content/uploads/2017/06/dan%C3%A7a-para-defi 
cientes-1.jpg 
 
4.1 Breve abordagem histórica da dança na Educação 
 
Voltando ao olhar para a história de alguns povos e suas relações com a 
dança, é possível percebê-la relacionada à educação de diferentes formas. Por 
exemplo, na China, durante a dinastia dos Chou (1122-255 a.C.), as danças já 
 
 
48 
 
estavam presentes nas escolas como uma das formas de desenvolver a força 
física. 
Já para os gregos, o ensino da dança era obrigatório na formação dos 
cidadãos desde a infância, buscando assim a harmonia entre corpo e mente. Os 
filósofos gregos escreviam sobre a importância de se ensinar dança, mas aquela 
que trabalhava com a harmonia das formas e a disciplina. 
Em Roma, os jovens tinham aulas de dança nas escolas, mas apenas 
com o fim militar, ou seja, a preparação física do indivíduo, sem preocupação 
estética. Mais tarde, a dança é profissionalizada, sendo necessária a contratação 
de professores por uma determinada classe social. 
Passando por toda a história da dança já abordada anteriormente, chega-
se ao século XX no Brasil, momento em que é possível trazer um pouco da 
história do ensino de Arte e de Educação Física nas escolas brasileiras, tendo 
em vista que a dança atualmente aparece como componente curricular dessas 
duas disciplinas. 
No ensino de Arte, até a primeira metade do século XX, ensinava-se 
apenas Canto Orfeônico, Desenho, Música e Trabalhos Manuais nas escolas, 
de acordo com a pedagogia tradicional da época, ou seja, a transmissão de 
conceitos e habilidades técnicas. Mais tarde, é trabalhado o “espontaneísmo” 
nestas aulas, mas ainda nas áreas já mencionadas. Entre 1970 e 1980, exige-
se a polivalência do professor de Arte, que deveria trabalhar as quatro 
linguagens artísticas (Artes Plásticas, Música, Teatro e Dança), que refletiu em 
um ensino de Arte sem profundidade e qualidade. Enfim, com a LDB 9.394/1996, 
a Arte passou a ser componente obrigatório na educação básica, priorizando o 
ensino que faça o aluno experiênciar, apreciar e refletir sobre este campo. 
Já no campo da Educação Física, é preciso lembrar que a importância 
dessa disciplina era o desenvolvimento de um corpo saudável, e em 1930, os 
objetivos dela eram de fortalecer o trabalhador para prevenir doenças e 
desenvolver a coletividade dos indivíduos. Com a LDB de 1961, a Educação 
Física passa a ser obrigatória nas escolas, incorporando a ginástica e o esporte. 
Mais tarde, o ensino dessa área foi dividido em três blocos: esportes, jogos, lutas 
e ginástica; atividades rítmicas e expressivas; e conhecimentos sobre o corpo. 
Assim, a dança se insere na Educação Física por meio do segundo bloco de 
ensino. 
 
 
49 
 
4.2 Base Nacional Comum Curricular – BNCC 
 
Dentre tantos documentos que regulamentam e apoiam a prática docente 
no ensino básico, como a Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional (LDB), 
os Parâmetros Curriculares Nacionais (PCN), e as Diretrizes Curriculares 
Nacionais e as Estaduais (DCN e DCE), é importante entender como a dança é 
trazida como conteúdo das disciplinas de Arte e de Educação Física. Para isso, 
serão trazidas algumas definições encontradas na Base Nacional Comum 
Curricular (BNCC), documento no qual são definidas as aprendizagens 
essenciais para todos os alunos, de todas as etapas e modalidades da Educação 
Básica. 
Assim, na disciplina de Arte, que visa à criação, crítica, estesia, 
expressão, fruição, e reflexão do aluno, a dança é vista como uma prática 
artística, que acontece pelo pensamento e sentimento do corpo, valorizando a 
investigação e a produção estética, a fim de transformar a visão que os alunos 
têm de si e do mundo. 
 
 
Dança na disciplina de Arte 
Fonte: http://basenacionalcomum.mec.gov.br/images/BNCC_publicacao.pdf 
 
 
50 
 
Já na disciplina de Educação Física, a dança é entendida como uma 
prática corporal a partir de movimentos rítmicos, com passos e códigos 
específicos e construídos historicamente, gerando muitas vezes coreografias 
individuais, em duplas ou em grupos. 
 
 
Dança na disciplina de Educação Física – Ensino Fundamental I 
Fonte: http://basenacionalcomum.mec.gov.br/images/BNCC_publicacao.pdf 
 
 
Dança na disciplina de Educação Física – Ensino Fundamental II 
Fonte: http://basenacionalcomum.mec.gov.br/images/BNCC_publicacao.pdf 
 
 
 
 
51 
 
4.3 Propostas de dança na Educação Básica 
 
Após a análise dos conteúdos trazidos pela BNCC em diferentes 
disciplinas, é possível observar que em uma é mais valorizada a investigação do 
movimento corporal, e nos outros alguns estilos de dança específicos aparecem 
como prioridades. Assim, esta aula seguirá com propostas do ensino da dança 
na Educação Básica, visando os dois aspectos apresentados. 
Mas, para começar, por que ensinar dança nas aulas curriculares da 
escola? Entre outras possíveis respostas, sua importância se dá na formação 
integral dos alunos, que têm a oportunidade de conhecer melhor seu próprio 
corpo, respeitando-o e aprendendo a respeitar seus colegas e as diferenças 
existentes. A dança também possibilita pensar a criação e a expressão com o 
próprio corpo, utilizando muitas vezes de seus sentimentos, algo que não é 
rotineiro nas escolas, ou seja, a dança também tem a capacidade de sensibilizar 
as pessoas, contribuindo para relações mais harmoniosas. Além disso, tudo isso 
culmina na formação de um indivíduo criativo e crítico, no sentido de pensar por 
si só sobre o mundo. 
Sobre o que ensinar, é importante que o aluno possa apreciar obras de 
dança, seja no teatro, por vídeos, ou outras formas, e conhecer a história desta 
linguagem corporal. Quanto à experimentação e criação, podem ser elencados 
os seguintes conteúdos: consciência/percepção do próprio corpo; investigação 
de possibilidades de movimentos em cada parte do corpo; fatores do movimento 
(peso, tempo, fluxo, espaço); como o movimento se dá no espaço (planos, níveis, 
cinesfera); improvisação de movimentos; composição coreográfica (individual ou 
em grupos); e contato com diversas técnicas de dança e danças populares. 
É interessante instigar o aluno a relacionar os conteúdos e suas 
descobertas com seu cotidiano, tornando o aprendizado mais significativo. Para 
trabalhar os conteúdos descritos acima, também é importante fazer relação com 
estudos da anatomia e cinesiologia, lembrando que os trabalhos em grupos 
estimulam a coletividade dos indivíduos. Quanto às técnicas de dança, é 
imprescindível lembrar que o objetivo não é formar bailarinos clássicos, 
modernos, ou de outras técnicas existentes, mas sim mostrar aos alunos que 
estas técnicas existem e propiciar certo contato com elas. 
 
 
52 
 
A partir disso, é possível pensar em como ensinar dança nas escolas: 
orientando os alunos a realizarem tarefas referentes aos conteúdos; dando 
liberdade para a criação e a expressão individual e do grupo; instigando a partilha 
das descobertas e criações com os colegas; e prezando por atividades lúdicas, 
utilizando jogos, brincadeiras, imagens, e materiais como bexigas, cordas, entre 
outros. Portanto, o professor também deve buscar a criatividade ao elaborar suas 
aulas. 
É possível observar que só a dança já tem muitos conteúdos a serem 
trabalhados na Educação Básica, sendo essencial que o professor saiba 
reconhecer o que é importante trabalhar com determinada turma, pois nem 
sempre dá tempo de trabalhar todos os conteúdos. Ainda assim, é importante 
que o professor mantenha os três pilares aqui apresentados: criação, 
fruição/apreciação